Jackson Pollock: el afán de hacerse un nombre

Antonio Bello Quiroz

El pintor Jackson Pollock protagoniza una de las revoluciones estéticas más importantes en la plástica norteamericana. Pero vida y obra van en él entrelazadas. Se encuentra y depura su estilo en la medida en que su vida se va transformando en el desesperado intento de ordenar un goce que le excede. Su vida y su obra se encuentran enfrascados en un solo afán: hacerse un nombre.

Su obra pictórica va paulatinamente señalando una ruptura con la imagen para darle cabida al ser. Va produciendo una asimetría lisiada como único lugar de existencia.

Pollock lleva el expresionismo a su más radical expresión hasta romper con esta corriente. No puede seguir ninguna corriente porque necesita un nombre propio.

Después de una exposición en 1949 el crítico Bruno Alfieri escribe en L’Arte Moderne: “Los cuadros de Jackson Pollock no representan absolutamente nada, ni hechos ni ideas ni formas geométricas […] No hay cuadro más automático, involuntario, surrealista, puro e introvertido.”

Paulatinamente su estilo lo va separando de cualquier antecedente técnico. Se aleja del lienzo como se aleja de los precedentes y su obra se muestra más enigmática y desconcertante.

En los años sesenta se le hacen estudios a su obra para analizar si lo que llaman “rayones” son plasmados sin sentido o tienen alguna lectura; se percatan de que las obras muestran formas que se replican a sí mismas, son autosemejantes. Su pintura, pese a las apariencias, no es sólo chorrear la tinta o dripping sino que obedece a una lógica. El caos en su obra en realidad es germen de diagramación natural que rompe con la forma para centrarse en la repetición; la repetición produce la “diferencia pura” en la naturaleza.

 Convergence

Jackson Pollock rompe por completo con la representación y lo figurativo en la pintura, su pretensión es mayúscula: de lo que se trata es de pintar lo “real”, la síntesis asimétrica de lo sensible. Su obra obedece a una lógica más cercana a una geometría no lineal, una secuencia para-lógica.

Para los críticos se vuelve algo difícil comercializar: Pollock muestra su mundo interior, y ¿cómo se tasa el mundo interior de un artista?

No cede ante las presiones para que pinte algo “comprensible”, no lo hace porque su afán es que sea reconocida su originalidad, garante de “hacerse de un lugar”, de hacerse de un nombre.

Lo que llama la atención es la forma en que su devenir en la plástica se muestra en relación con la forma en que su vida se abisma.

Jackson Pollock es hijo de una madre silenciosa, melancólica, casi catatónica, y un padre alcohólico que abandonó a la familia poco antes de su nacimiento. Es el menor de cinco hermanos. Él mismo se reconoce ajeno al mundo; cuando tiene dieciocho años le escribe a su hermano Frank, quien operó en buena medida como su sostén en su vida de juventud: “La gente siempre me ha asustado y me ha aburrido, por eso me he encerrado así […] Si pudiera llegar a alguna conclusión sobre mi yo y mi vida quizá pudiese ver algo […] Mi mente arde con cierta ilusión durante un par de semanas y luego se apaga y todo queda en nada. Cuanto más leo y más pienso, más seguro estoy de que las cosas se podrán peor.”

Su vida estuvo marcada por la alternancia de periodos creativos con periodos de fuerte actividad alcohólica. El alcohol, sin embargo, reconoce el creador, no era el problema, sino una solución: el alcohol opera como contención de un “algo” del orden del goce que no puede contener.

 Moon Woman

Jackson Pollock se encuentra con Lee Krasner, la mujer con quien habría de casarse, y ella viene a operar la función de contención que representaron su hermano Frank y después el alcohol: es una mujer que le viene como guante, tal y como Jacques Lacan se refiriera con respecto a Norma, la esposa de James Joyce, quien le funcionó como ancla. Hay ciertos hombres que requieren una mujer “a la medida”; Lee lo fue para Pollock.

Lee Krasner se convierte en sostén del acto creativo de Pollock. Se sabe que Pollock, pese a ser atractivo, nunca antes estuvo con una mujer, no puede relacionarse con el otro sexo, no tiene un ancla (Nombre-del-padre, se dice en psicoanálisis) desde donde hacerlo.

La pareja de Pollock y Lee es en buena medida una pareja moderna, es decir, no llegan a constituirse como pareja, al matrimonio, mediante un acuerdo familiar, como en otras épocas, se anudan en buena medida con base en determinaciones inconscientes. En este sentido, se puede decir que el hombre sitúa algo del goce del síntoma en la mujer que elige como pareja, la que hace la “una” que ama.

Pollock no va al encuentro de Lee, pero sí decide quedarse con ella, casarse, goza de ella sintomática y sustitutivamente. Lee se vuelve su todo, su secretaria, su asistente, su cuidadora, en ese sentido, ocupa el lugar del Otro (el Otro sexo) que sostiene. Lee es para Pollock su objeto de deseo y de goce, pero ¿también en objeto de amor?

Mientras está con ella su vida alcohólica se contiene, un cambio de residencia a su lado le produce también un decisivo encuentro con la naturaleza, lo que le da una nueva fuerza e intensidad a su obra. Lee es el artificio que le permite a Pollock suturar temporalmente el hueco, el vacío que amenaza con devorarlo.

En 1942 Pollock empieza a vivir con Lee, él hace un cuadro entonces que bien puede tomarse como un tributo a esta mujer en su vida. Se trata de Moon Woman, una pintura donde aún se aprecia la influencia (siempre negada por Pollock) de Picasso. Muestra un perfil femenino que alza una de sus manos hacia la boca de su contraparte, en un gesto que vela la falta, que sutura el hueco de la boca, verdadero agujero en lo real que borda un vacío; con la otra mano sostiene una flor.

La vivencia que Pollock tiene con Lee fuera de Nueva York, con todo el sostén y calma que le proporciona, se ve por intermitentes momentos interrumpida por discusiones que revelan que el sostén es sólo un artificio en la carrera al abismo de Pollock.

El creador, en los últimos años de su caída, encuentra en su pintura su propio estilo, su “ser” y eso le sostiene a tal grado que cree poder prescindir de Lee.

En su momento de esplendor creativo, se producen dos cambios importantes en su técnica pictórica: por un lado, con el lienzo en el piso se produce un cambio radical en la posición física con respecto a la obra, en tanto que deja de tener contacto con el lienzo sólo con el pincel y de manera vertical, para poder, por otro lado, literalmente liberarse y meterse a la obra; estar sobre la obra lo sostiene e inicia su danza creadora con todo el cuerpo, con el pincel o cualquier otro instrumento alejado de la pieza que le permite el libre trazo.

Es el momento más fecundo de su obra, alejándose por completo de cualquier antecedente y rompiendo completamente con la forma, momento que le da un nombre.

Podemos observar en Convergence, de 1952, el trazo que le ha valido el pleno reconocimiento de la crítica y su momento de mayor esplendor creativo.

Este momento de clímax creativo también le trajo el mayor de los infiernos en su vida. Abandona Lee y él se abandona al alcohol, deja de pintar y su vida se ve llevada al vacío. Tiene un nombre, pero no está ya quien lo puede sostener.

En este momento de decadencia creativa, alcoholizado, en compañía de una amante y la amiga de ésta, se pone al volante y sufre un accidente mortal que más bien parece un suicidio, ese pasaje al acto tantas veces anunciado.